Note de concordance : 10/10

Si le vent et la tourbe pouvaient enfanter, de leur union serait née cette fratrie : des mots et des sons qui jaillissent de la même écume, venant frapper les sombres rivages insulaires écossais.

Depuis le temps que je choisis des Bandes Originales de Livres, jamais un roman et un album ne se sont aussi bien entremêlés. Il ne s'agit plus de superposition mais de fusion. 

Certes "Orkney symphony" suit son propre récit, mais les chansons éthérées se cachent dans les mêmes brumes mystérieuses que "L'île des chasseurs d'oiseaux". Le projet du disque baigne dans le fantasmagorique : Gawain Erland Cooper, le leader de la formation The Magnetic North, a reçu une visite en rêve.

Si, ça se peut.

L'esprit de Betty Corrigall, une jeune femme d'Orkney Island qui s'est pendue au XIIIème siècle, lui a intimé de composer des musiques autour de son histoire. La force du rêve fut telle que Cooper est retourné sur l'île dont il est originaire, concrétisant ce projet fou en embarquant avec lui des artistes avertis, Simon Tong et Hannah Peel (s'appeler Madame Peel, déjà un bon présage).

Orkney Island fait face à l'Ecosse, tout à fait au nord du pays. Un tout petit peu plus bas, à l'ouest, les mêmes vents fouettent Lewis Island.

Comme des aimants, ces îles semblent rappeler leurs habitants à elles. Dans le roman de Peter May, l'inspecteur Fin McLeod retourne sur les terres de son enfance pour enquêter sur un meurtre. Le cœur n'y est pas : le pire vient de lui arriver, il a perdu son fils. Et les souvenirs qu'il a de Lewis sont tourmentés, désagréables. Mais le crime commis (tiens, par pendaison) ressemble trop à une de ses précédentes enquêtes pour qu'il ne soit pas sommé de faire les vérifications nécessaires. 

A peine les rives en vue, son passé remonte comme une sombre marée qui va venir provoquer le présent.

Avant d'écrire ce livre, Peter May a fait une longue saga policière située en Chine, une autre en France où il vivait alors. Comme si l'écossais patientait, laissait fermenter les histoires qui touchaient ses fibres les plus intimes… Alors dès les premières pages, l'atmosphère prend une dimension spectaculaire. L'aura de Lewis est palpable. La couleur et l'odeur de la tourbe sont omniprésentes, prégnantes. Les nuits sont fantomatiques, les jours brumeux. La faune est sauvage, la flore est sauvage, mais jamais autant que les habitants. Si on devait cacher un secret, il n'y aurait pas de meilleur endroit que cette terre isolée qui se tait, qui recouvre les traces du passé sous le granite et le basalte.

Les traditions y ont la vie dure. Chaque année quelques hommes et adolescents de l'île se rendent sur un îlot pour y perpétrer un massacre sur les gugas, des oiseaux locaux. Un rite de passage un peu plus bête et cruel que la moyenne des rites de passage.

C'est dans ce contexte que Fin va devoir enquêter, en évitant d'emmêler le fil de l'investigation et celui des souvenirs. A moins que tous les fils ne viennent du même tartan...

Des chœurs évanescents, des percussions tribales, un entrecroisement de vibraphones et de xylophones, des cordes, des arpèges de guitare,... il en faut des instruments pour exprimer la force des landes que foule Fin à la recherche du criminel, contre les bourrasques de souvenirs.

Inspirant parfois la menace latente ("Stromness"), la nostalgie vivace ("Rackwick"), la montée en intensité ("Bay of Skaill"), la musique de The Magnetic North croise le navire d'autres marins de ces mers froides : Sigur rós (dont on avait parlé ici pour seconder l'inspecteur Harry Hole). On retrouve aussi une superbe relecture de "Hi Life" de Syd Matters, dont la version originale utérine avait magnifié les silences de Yoko Ogawa sur ce même blog.

The Magnetic North tisse d'improbables liens entre plages instrumentales introspectives et grandes envolées romantiques où chants, cordes et percussions éclatent à l'unisson. Un peu comme un bijou celte, l'album réussit ce prodige de toujours paraître sensible et solide à la fois. L'eau et la rocaille. Le vent et la tourbe.

Conçu en grande partie sur place, parfois dans la maison même des parents du leader, le son de "Orkney symphony" a été façonné par la géographie de l'île, son histoire, ses habitants (une chorale locale a été montée).

C'est enrobé de cette musique spectrale que j'ai imaginé Fin McLeod tout au long de son périple. Un flic qui recroise son premier amour, les camarades d'antan. Et alternativement ce même personnage lorsqu'il était un gamin, vivant la rudesse de l'île, les rivalités de bandes, les 400 coups… Des images restent, comme celle de ce pneu de tracteur dévalant les courbes de l'île. Des sons remontent, comme cet inquiétant trombone qui surgit parfois, comme un signal marin ancestral, un avertissement du passé d'Orkney.

"L'île des chasseurs d'oiseaux" a la particularité d'être d'abord paru en traduction française, avant sa sortie dans son titre original : "The Blackhouse". Cette maison noire, c'est celle des secrets enfouis, des amnésies nécessaires.

Et si l'on creuse encore plus loin, le livre parle surtout du difficile passage du monde de l'enfance à celui des adultes, cette transition maudite où l'on doit choisir entre insouciance et liberté, renoncer à la naïveté. La tragique destinée de Betty Corrigall, précurseuse du 27 club, morte de trahison et de pression religieuse (enceinte d'un marin l'ayant abandonnée), est un condensé d'illusions perdues dans les eaux salées d'Ecosse. Parfaite cohérence des musiques que The Magnetic North lui a consacré, mêlant si bien innocence et menace, rêverie et fougue. L'eau et la rocaille. Le vent et la tourbe.

Cela va de soi, la trilogie entière de Peter May fonctionne parfaitement avec ce disque. Je n'irai plus jamais sur Lewis Island sans "Orkney symphony".

Note de concordance : 8,5/10

Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme.

La petite chimiste Flavia de Luce ne me contredirait pas sur ce point. En appliquant ce précepte d'Antoine Lavoisier, j'ai donc recyclé une musique de film - dont chaque note avait été pensée pour des images bien précises - en Bande Originale de Livre. La redistribution des éprouvettes sonores dans mon petit laboratoire musico-littéraire, a donné au "Microcosmos" de Bruno Coulais un nouvel usage.

Le thème principal de "Microcosmos" est suspendu à un choeur d'enfants brumeux aux ruptures mélodiques enchanteresses. La dimension gothique de cette portée sera déclinée au fil arachnéen des morceaux, et va imprégner l'ambiance Famille Adamsienne des "Etranges talents de Flavia de Luce",.

Ca ne semble être un secret pour personne, Flavia est très largement inspirée de Mercredi, la fille de Gomez et Morticia Adams.

A la différence de la gamine glaciale si parfaitement incarnée par Christina Ricci, Flavia n'a plus sa maman, n'a pas de frère mais deux soeurs avec qui elle s'entend comme l'huile se mélange à l'eau. Il faut dire qu'elle n'est pas commode la petite chimiste de 11 ans, rancunière, un vrai poison ! Plutôt que de s'amuser dans le jardin, elle préfère s'isoler dans les vapeurs de son labo ; plutôt que de coiffer sa poupée, elle intoxique le maquillage de sa soeur ; plutôt que lire des Harry Potter (ce qui serait bien anachronique, on est dans les années 50), elle va mener sa propre enquête lorsqu'un homme venu visiter son père est retrouvé mort dans le jardin de la demeure victorienne.

Un corbeau mort, des timbres mystérieux, le vol d'une tarte, de vieilles archives inaccessibles et les fameuses potions de Flavia de Luce feront mousser les aventures de cette détective en sandalettes (quatre sont déjà traduites, soit la moitié).

Alors, me direz-vous, une enquêtrice anglaise d'à peine 11 ans, est-ce bien raisonnable ? Non pas vraiment... le roman était d'ailleurs destiné à un public jeunesse avant d'être édité par 10-18 dans la collection Grands Détectives. Et bien que sympathique, c'est un peu le tube entre deux chaises que la chimiste évolue. Pas assez adulte pour prétendre à de l'action ou de la profondeur, pas assez enfantin car en carence de charme, de fantaisie.

Heureusement, la B.O.L. est là pour sauver in extremis les situations délicates : la magie qui peut parfois manquer au canadien Alan Bradley, distillons-la à partir de ces musiques inspirées par la nature !

Bruno Coulais a le don merveilleux de s'inspirer de son sujet pour en tirer l'essence et le mener vers autre chose - encore un alchimiste, en somme... Ainsi des bruits d'eau, d'ailes ou d'oiseaux vont naturellement tendre une toile de fond, ou + justement une toile d'araignée, aux compositions de "Microcosmos", comme un trompe-l'oeil sonore. Un trompe-l'oreille, en fait. Il ne s'agit pas pour autant seulement de bruitages ou d'imitations de sons, mais d'une réinterprétation poétique des bruits sécrétés par les mondes invisibles.

S'envole alors un orchestre entomologique, tous archets tendus.

Les carillons avancent à tâtons, comme on viole la pâleur poussiéreuse d'un lieu interdit, le genre de situations que connaît bien l'intrépide Flavia. Son espièglerie pince les mêmes cordes jouées par une veuve noire. Séductrices, les percussions vibrent à la manière des stridulations du grillon. Les stridences des violons initialement calées sur les bourdonnements du peuple de l'herbe accentuent les dangers de l'enquête de Flavia, rendent un peu + inquiétants les craquements de parquet de la bibliothèque, les grincements de portes de son manoir. Les lieux du roman n'en deviennent que + fantastiques, davantage qu'ils ne le sont décrits dans le roman. Les pièces gagnent en perspectives ; les odeurs se chargent d'humus ; les couleurs du danger s'intensifient. La lune hulule + lugubrement, la rosée est mieux irisée.

Ainsi insectes et investigatrice en herbe partagent ce précipité de notes qui gouttent à l'envi.

J'aurais aimé que Bradley ait lui-même davantage de matière à passer sur son bec bunsen et qu'il étoffe ses ambiances, cependant son attachante héroïne donne une jolie effervescence à cette écriture au PH un peu trop neutre. Mais allez savoir si la musique de "Microcosmos" n'aurait pas perdu en efficacité si les composés moléculaires du récit avaient déjà été remplis de féérie. Ici au moins, tandis que Bruno Coulais et Flavia de Luce observent la vie à travers un microscope, la liaison chimique est établie. Et la métamorphose expérimentée réussie.

Note de concordance : 8/10

Fouiller la noirceur des failles et y faire rentrer la lumière. Capturer le soleil californien à l'heure où il faiblit, en faire une torche pour ses tunnels intimes.

L'air de rien, les contrastes californiens ont trusté cette expérience B.O.L.

En choisissant les canadiens de Timber Timbre pour m'attaquer au mythe de la saga Harry Bosch, j'ignorais que leur nouvel album avait été enregistré à Los Angeles, à Laurel Canyon. Soit à trois ou quatre palmiers de la maison sur pilotis du flic inventé par Michael Connelly.

Le genre de coïncidences qui me font adorer dégoter les Bandes Originales de Livres. Bien que le hasard ait ses limites : ce sont les ambiances polar, le saxophone alternativement ardent ou grisé, le mariage luxuriant entre les vibratos de guitares du far-west et les violons lumineux qui, à peine écoutés, m'ont convaincu qu'ils seraient dignes d'illustrer la lecture de cette enquête en pleine Cité des Anges. Cité qui, dans un jeu de miroir, avait fondu sur le travail habituellement + sombre et introspectif de Timber Timbre, le groupe de Taylor Kirk.

Alphabétiquement parlant, Timber Timbre arrive juste avant Tindersticks.

Stylistiquement parlant, Timber Timbre drague les mêmes univers que Tindersticks.

Qualitativement parlant, Timber Timbre se situe un peu après Tindersticks. Faut pas déconner non plus.

"Hot dreams" a pour moi vraiment trouvé tout son sens en tant que musique de livre. A écouter seul, ce cinquième disque est parfois nébuleux, déphasé, presque indigeste. En accompagnant la première aventure de l'inspecteur intransigeant Harry Bosch, les cuivres botoxés aux mélodies ourlées  tout comme les déraillements de synthé horrifiques s'appliquent au récit, tels des pièces de puzzle alambiquées.

Michael Connelly aussi est un amateur de puzzle. Ses intrigues complexes avancent indice après indice chèrement gagné. Dans "Les égouts de Los Angeles", l'indice initial est un doigt cassé post-mortem chez un cadavre retrouvé sur les hauteurs d'Hollywood, dans un tunnel. Un détail. De ceux que les flics négligent, surtout lorsqu'il s'agit d'un énième camé à l'aiguille encore perlante. Over.

Sauf que Harry Bosch est méticuleux à l'extrême, intransigeant, opiniâtre, et qu'il ne ferme pas le dossier. D'autant que le mort est un ancien du Viêtnam qui appartenait à la même division que lui : les rats de tunnel, chargés de fouiller les galeries de l'ennemi. Une expérience traumatisante qui réveille encore Bosch la nuit, que l'alcool ne suffit pas toujours à dissoudre.

Sympa comme une porte de prison turque, le tumultueux inspecteur va donc mener une enquête à l'ancienne (on est dans les années 90 : pas de portable, pas de Google, des experts scientifiques à leur place, ce qui en soit a déjà quelque chose d'exotique), reniflant les pistes, recoupant les infos les + infimes, creusant là où les autres n'ont même pas pensé à gratter. Un os fracturé, l'absence louche d'empreintes, un intrigant bijou de jade volé... Chercher des liens et faire la lumière.

(Petite parenthèse de syntaxe interactive à l'allitération douteuse. Si vous préférez comme transition "Bosch bêche", tapez 1. Pour "Bosch bosse", tapez 2. Si vous préférez "Bosch bûche", tapez 3. Enfin, pour l'archi-combo "Bosch bêche, bosse et bûche", tapez 4.)

Bref, la structure de l'enquête se construit sous nos yeux. Voilà du polar classique dans le sens le + noble du terme. L'écriture est sans fioritures et d'une redoutable efficacité, à l'image du héros. Avec son décor californien et ses bas-fonds glauques, on rejoint Ellroy, et l'indépendance du cabot Harry Bosch le rapproche des détectives privés glorifiés par Raymond Chandler ou Ross McDonald.

On pense inévitablement à Dirty Harry en suivant ce personnage froid, en constant conflit avec ses hiérarchies. Connelly doit forcément avoir eu Clint Eastwood à l'esprit en écrivant sa saga, même si sa description d'un séduisant quarantenaire châtain bouclé renvoie plutôt à Matthew McConaughey. Ces deux acteurs ont d'ailleurs joué dans des adaptations de romans de Connelly (respectivement "Créance de sang" et "La défense Lincoln"). Nonobstant, les livres viennent d'être transcrits en série et c'est l'acteur Titus Welliver qui a décroché le rôle du flic ambigu.

L'autre caractéristique de Bosch est d'être un passionné de jazz. Alors oui, il aurait été logique de choisir, au hasard, Sonny Rollins en background sonore. Timber Timbre n'en est pas moins légitime, d'abord parce que la langueur du saxo s'invite dans "Hot dreams", ensuite parce qu'une dimension cinématographique illumine la pop pastorale de Taylor Kirk.

Ainsi "Run from me" ou "Hot dreams" apportent la lascivité nostalgique des nuits solitaires de Harry Bosch. Romantique comme un Elvis Presley qui n'aurait pas inventé le rock'n'roll mais s'attellerait plutôt à l'enterrer.

Les démons du passé de notre héros, ses violines nausées militaires trouvent un noir écho dans les percussions finales de "Beat the drum slowly" qui mettent cette ballade spectrale inaugurale au pas. L'hommage fait, volontaire ou non, à "A reflection" de The Cure avec "The three sisters" (également le titre d'une rareté de Cure, quand j'y pense...) souffle des ténèbres grinçantes enfin lâchées sur le dernier titre, alors qu'elles rôdent tout au long du disque dans les synthés hantés, dans les somptueux choeurs climatiques, dans les arpèges d'un western crépusculaire. Parfait pour notre cowboy âpre rempli de colère, capable de défroquer ses collègues lorsqu'il s'énerve un peu.

Lynchienne et raffinée à la fois, la musique de Timber Timbre empreinte Mullholland drive pour rejoindre un vieux cimetière, longe les lettres HOLLYWOOD pour voir poindre le jour au-dessus de la ville.

Deux titres instrumentaux ont fait office de thèmes récurrents dans ma lecture : "Resurrection drive part II", et surtout la gifle "Curtains?!" (je vois des liens partout aujourd'hui, mais ce titre, comment ne pas penser une fois de + à Tindersticks ?), véritable B.O. de polar groovy. Viril comme l'inspecteur Bosch, tendu comme ses mâchoires, claquant comme ses dialogues, rythmé comme sa conduite ; s'il ne fallait garder qu'un titre pour représenter ce personnage, ce serait celui-ci et aucun autre. N'en déplaise à Coltrane.

Lorsque j'entends ce titre et quelques autres de "Hot dreams", je suis irrémédiablement projeté dans les rues de Connelly, en planque avec Bosch. Aujourd'hui je me suis procuré les trois aventures suivantes du dur à cuire. Je continuerai d'écouter cet album exigeant en les lisant, ferai défiler mes propres pellicules saturées d'images et de sons, navigant entre les ombres les + opaques et les lumières brûlantes de Laurel Canyon.

Note de concordance : 9/10

Je n'allais pas faire ma mauvaise tête. Puisque Caryl Férey, rockeur dans l'âme, lançait une piste musicale à son livre, je n'allais pas me clasher avec lui - d'autant qu'un écrivain qui nomme un de ses romans "La jambe gauche de Joe Strummer" a forcément bon goût. En effet, en préambule de "Zulu" l'auteur français cite Zone libre ; une proposition de Bande Originale de Livre qu'il a l'habitude de livrer dans la plupart de ses ouvrages, à la manière d'un Maxime Chattam. Je préfère traditionnellement relever personnellement le défi de trouver le bon disque qui collera au bon livre, mais le choix de Férey me semblait trop pertinent pour le snober.

Même si sont mentionnés au cours du récit Radiohead et "To bring you my love" de PJ Harvey, il semble vite évident que le romancier a sué sur sa copie en écoutant les guitares grinçantes de "Faites vibrer la chair", puisant une noire inspiration des notes qui saturaient son air. Zone libre est un projet de Serge Tessot-Gay, poigne à gratter de Noir Désir qui emmène Cyril Bilbeaud et Marc Sens sur un no man's land free-rock en pleine (ef)fusion. Radical, instrumental, ce premier album du collectif - avant de visiter + tard d'autres zones où jaillit le rap - explore les terres en friche, ce qui grouille entre le chaos et le naissant.

Les distorsions de guitares et le refus des limites (la batterie n'encadre pas, elle ouvre des brèches ici et là), les sons qui vibrent et qui implosent génèrent les dissonances. Parfait tiraillement pour un monde sans règles, celui que décrit l'écrivain-voyageur Caryl Férey dans "Zulu" ; une Afrique du Sud rongée de l'intérieur, mal cicatrisée, bouffée par la misère, la maladie, l'injustice, la corruption, la drogue, la rancune, le crime... Extrêmement bien documenté mais jamais lourd ni ennuyeux, "Zulu" n'est pas qu'une simple enquête, c'est aussi la radiographie d'un pays meurtri, boursouflé, à vif. Juste comme Neuman, le chef de la police criminelle de Cape Town. Un Noir. Cette personnalité emblématique dont la famille a été massacrée pendant l'Apartheid a pardonné, tel un fils de Mandela, et est devenu le meilleur flic de la ville en parfait complément avec Epkeen, bras droit borderline, chien fou instinctif à la vie privée dissolue.

Face au meurtre atroce d'une Blanche de bonne famille qui aurait consommé une mystérieuse drogue envahissant les townships, la pression est mise sur les enquêteurs. Entre les gangs ultra-violents, les politiciens gangrénés, les bars qui puent la came, et la magie noire proférée par une danseuse ensorcelante, les héros avancent en terrain miné.

Non content de livrer une enquête alambiquée et passionnante entraînée par des personnages denses (le parcours de Neuman, l'homme nouveau, est d'une puissance bouleversante) Caryl Férey profite de cette virée en enfer pour faire un constat de ce qu'est l'Afrique du Sud aujourd'hui, traumatisée par celle d'hier, au-delà des beaux symboles et des grands discours. Voir la vérité en face donne la nausée.

La plume de Férey est encrée de colère, une écriture qu'on sent bouillir à 100° de rage. Ses mots, indignés. Devant la plaie béante Cape Town, on le serait à moins. Il y a des livres coups de poing ; celui-là est un lance-flammes, une machine à carboniser l'espoir. Les chapitres sont coupés à la machette avec un superbe sens de l'ellipse, la violence surgit autant sur la forme que sur le fond, et vous n'êtes pas prêts d'oublier le barbecue de cette plage tranquille où trois amis flics suivent une piste anodine.

La friction entre ce polar couvert de suie et les fulgurances bruitistes en roue libre de Teyssot-Gay génère des vibrations/implosions inquiétantes, organiques et métalliques. Alors la musique devient matière, comme un bloc solide de l'histoire, qu'on tord, qui grince, qui se plaint. Frissons d'acier. Parfois vrombit une guitare slide, pour un western aux portes de l'enfer. Puis des éléments indus dérangés viennent se frotter à l'action, à l'horreur, comme les bruits d'un monde qui en écrase un autre sans pitié : l'état de cette Afrique... Notre système.

Cette expérience B.O.L. est comme une bobine de film qui tremble, déraille et dont la pellicule finit par s'enflammer. Vibrations trop fortes. Le livre parle des laissés pour compte, des stigmates, des agonies qu'une guerre civile dégurgite, même des années après, du choc entre les peuples et du séisme interminable qui suit. Le disque de Zone libre s'inspire des mêmes violences du monde. Et la cohabitation grippée qui unit ce grand polar et ce disque difficile fracture les mêmes terres malsaines, le pays de l'Art noir.

Note de concordance : 8/10

Tu en as soupé du polar. Du flic, du privé, de l'enquête. Tu as envie de nouveauté. De personnages percutants, de narration implosée.

Tu en as soupé du rock. Des accords attendus, rabattus, hérités du blues, des amplis saturés. Tu as envie de nouveauté. De guitares dopées, de rhythm'n'blues réinventé.

Alors bienvenue. Cette expérience B.O.L. est pour Toi.

Tu ouvres le deuxième thriller traduit de l'allemand Zoran Drvenkar (au préalable tu l'as trouvé tout seul car tu as eu peur de te mordre la langue en le réclamant au libraire). Tu constates qu'il semble aussi déstructuré que son prédécesseur "Sorry". Et tu te laisses bouffer par ce premier chapitre ravageur où "Le Voyageur", un tueur improvisé, profite d'une tempête de neige paralysant l'autoroute pour passer de voiture en voiture et étrangler 26 personnes. Comme ça, sur un coup de tête. Génialement choquant.

Puis tu passes de point de vue en point de vue : cinq amies qui profitent copieusement de leur adolescence, un mafieux impitoyable, des petites frappes amourachées, un mort sur sa chaise, etc. Big bang narratif. Tu te demandes bien quel est le lien entre toutes ces histoires sans rapport, et surtout si tu vas supporter cet exercice surprenant du roman entièrement écrit à la deuxième personne du singulier. Mais tout tiendra la route.

Ce "Tu", comme une lettre ouverte intime à chaque personnage, donne un rythme punchy à l'écriture. Tu penses aux saccades hachées cut de Chuck Palahniuk, et il te faut une musique qui dépote pour suivre le train. La locomotive "Lonely Boy" t'embarque à toute vapeur sur le septième album de The Black Keys, "El Camino" à nouveau produit par un Danger Mouse + discret que sur "Brothers" (déjà chroniqué ici) ; ses rythmiques pop, des bombes sixties, sont encore là, mais complètement au service du rock'n'crasse des américains Dan Auerbach et Pat Carney qui souhaitaient mettre la gomme dans leurs chansons à défendre ensuite sur scène.

D'entrée, le riff monstrueux qui semble se régénérer en cours de boucle te donne le tournis, à la manière du maelström cauchemardesque des cinq jeunes berlinoises. Les chansons twistent les unes avec les autres, comme si elles avaient été conçues dans le garage de répétition le + groovy de Nashville, copartagé par T-Model Ford et les Rolling Stones de "Miss you", sous-loué par la Stax.

Quand une guitare parle, tu l'écoutes. Chaque sonorité, chaque reverb', chaque note a été réfléchie pour donner du relief à la composition. "El Camino" est en 3D ! Une sous-couche de blues graisseux, une couche de rock bouseux, une dimension soul (celle qui manquait peut-être aux White Stripes, leurs grands rivaux). Tes tympans vont frétiller.

Les notes aigües narguent Jack White, les basses qui roulent amassent maousse. Les hand claps appellent le glam, les riffs sont droits dans leurs bottes ; pas de doute, on a affaire à un classique.

Faire du neuf avec du vieux, c'est un précepte qui relie le disque des Black Keys et le roman "Toi". Cette envie de faire d'un terreau archi-connu, une oeuvre originale, du jamais vu. Cela saute surtout aux yeux avec le travail de Zoran Drvenkar qui détourne tous les codes du tueur en série et de l'enquête. Un peu comme Hitchcock se gaussant de prendre à contre-pied tous les clichés du suspense dans la scène de l'avion de "La mort aux trousses", le romancier se fait un plaisir de buter sans pitié chaque poncif du genre : le tueur frappe irrégulièrement et sans dessein, aucun flic ne viendra enquêter, les héroïnes sont des filles délurées qui jouent avec le feu, la mort frappe aussi bêtement que dans la réalité, et tout est présenté dans un puzzle que l'Espace/Temps est venu disperser à sa guise, comme des douilles chez Tarantino.

La fougue tendue de "El Camino", ses rythmes haletants, son grain de folie, ses mélodies râpeuses rendent coup pour coup aux phrases assassines du roman, à l'action éprouvante qui canarde le récit.

L'utilisation du "Tu" apporte aussi une approche inédite. Mais tu te dis, "pourquoi ce procédé ?". Tu parcours encore ce thriller qui vire au road trip et tu te rends bien compte que cette technique, ce doigt accusateur, a un vrai but : t'impliquer + que jamais, te mettre dans la peau des personnages fouillés, intimement, puisque c'est à toi, de toi qu'on parle.

Au final, tu te prends deux bonnes baffes !

Le rock rude du duo te marque au fer rouge. La symbiose entre les Black Keys et le co-auteur Danger Mouse aboutit à ce paranormal paradoxe d'un son à deux faces : parfaitement crade et brouillon d'un côté, et complètement limpide de l'autre. Et les pièces équilibristes des Black Keys retombent toujours sur le tranchant.

Les émotions de "Toi" te colorent comme un hématome. Jusqu'au dernier élément du puzzle enfoncé à coup de poing.

Bien fait pour toi !

Une guitare slide magnifique qui te pince aux mêmes zones que Queens of the Stone Age :

Parce qu'en live, tu prends cher :