Note de concordance : 10/10

Si le vent et la tourbe pouvaient enfanter, de leur union serait née cette fratrie : des mots et des sons qui jaillissent de la même écume, venant frapper les sombres rivages insulaires écossais.

Depuis le temps que je choisis des Bandes Originales de Livres, jamais un roman et un album ne se sont aussi bien entremêlés. Il ne s'agit plus de superposition mais de fusion. 

Certes "Orkney symphony" suit son propre récit, mais les chansons éthérées se cachent dans les mêmes brumes mystérieuses que "L'île des chasseurs d'oiseaux". Le projet du disque baigne dans le fantasmagorique : Gawain Erland Cooper, le leader de la formation The Magnetic North, a reçu une visite en rêve.

Si, ça se peut.

L'esprit de Betty Corrigall, une jeune femme d'Orkney Island qui s'est pendue au XIIIème siècle, lui a intimé de composer des musiques autour de son histoire. La force du rêve fut telle que Cooper est retourné sur l'île dont il est originaire, concrétisant ce projet fou en embarquant avec lui des artistes avertis, Simon Tong et Hannah Peel (s'appeler Madame Peel, déjà un bon présage).

Orkney Island fait face à l'Ecosse, tout à fait au nord du pays. Un tout petit peu plus bas, à l'ouest, les mêmes vents fouettent Lewis Island.

Comme des aimants, ces îles semblent rappeler leurs habitants à elles. Dans le roman de Peter May, l'inspecteur Fin McLeod retourne sur les terres de son enfance pour enquêter sur un meurtre. Le cœur n'y est pas : le pire vient de lui arriver, il a perdu son fils. Et les souvenirs qu'il a de Lewis sont tourmentés, désagréables. Mais le crime commis (tiens, par pendaison) ressemble trop à une de ses précédentes enquêtes pour qu'il ne soit pas sommé de faire les vérifications nécessaires. 

A peine les rives en vue, son passé remonte comme une sombre marée qui va venir provoquer le présent.

Avant d'écrire ce livre, Peter May a fait une longue saga policière située en Chine, une autre en France où il vivait alors. Comme si l'écossais patientait, laissait fermenter les histoires qui touchaient ses fibres les plus intimes… Alors dès les premières pages, l'atmosphère prend une dimension spectaculaire. L'aura de Lewis est palpable. La couleur et l'odeur de la tourbe sont omniprésentes, prégnantes. Les nuits sont fantomatiques, les jours brumeux. La faune est sauvage, la flore est sauvage, mais jamais autant que les habitants. Si on devait cacher un secret, il n'y aurait pas de meilleur endroit que cette terre isolée qui se tait, qui recouvre les traces du passé sous le granite et le basalte.

Les traditions y ont la vie dure. Chaque année quelques hommes et adolescents de l'île se rendent sur un îlot pour y perpétrer un massacre sur les gugas, des oiseaux locaux. Un rite de passage un peu plus bête et cruel que la moyenne des rites de passage.

C'est dans ce contexte que Fin va devoir enquêter, en évitant d'emmêler le fil de l'investigation et celui des souvenirs. A moins que tous les fils ne viennent du même tartan...

Des chœurs évanescents, des percussions tribales, un entrecroisement de vibraphones et de xylophones, des cordes, des arpèges de guitare,... il en faut des instruments pour exprimer la force des landes que foule Fin à la recherche du criminel, contre les bourrasques de souvenirs.

Inspirant parfois la menace latente ("Stromness"), la nostalgie vivace ("Rackwick"), la montée en intensité ("Bay of Skaill"), la musique de The Magnetic North croise le navire d'autres marins de ces mers froides : Sigur rós (dont on avait parlé ici pour seconder l'inspecteur Harry Hole). On retrouve aussi une superbe relecture de "Hi Life" de Syd Matters, dont la version originale utérine avait magnifié les silences de Yoko Ogawa sur ce même blog.

The Magnetic North tisse d'improbables liens entre plages instrumentales introspectives et grandes envolées romantiques où chants, cordes et percussions éclatent à l'unisson. Un peu comme un bijou celte, l'album réussit ce prodige de toujours paraître sensible et solide à la fois. L'eau et la rocaille. Le vent et la tourbe.

Conçu en grande partie sur place, parfois dans la maison même des parents du leader, le son de "Orkney symphony" a été façonné par la géographie de l'île, son histoire, ses habitants (une chorale locale a été montée).

C'est enrobé de cette musique spectrale que j'ai imaginé Fin McLeod tout au long de son périple. Un flic qui recroise son premier amour, les camarades d'antan. Et alternativement ce même personnage lorsqu'il était un gamin, vivant la rudesse de l'île, les rivalités de bandes, les 400 coups… Des images restent, comme celle de ce pneu de tracteur dévalant les courbes de l'île. Des sons remontent, comme cet inquiétant trombone qui surgit parfois, comme un signal marin ancestral, un avertissement du passé d'Orkney.

"L'île des chasseurs d'oiseaux" a la particularité d'être d'abord paru en traduction française, avant sa sortie dans son titre original : "The Blackhouse". Cette maison noire, c'est celle des secrets enfouis, des amnésies nécessaires.

Et si l'on creuse encore plus loin, le livre parle surtout du difficile passage du monde de l'enfance à celui des adultes, cette transition maudite où l'on doit choisir entre insouciance et liberté, renoncer à la naïveté. La tragique destinée de Betty Corrigall, précurseuse du 27 club, morte de trahison et de pression religieuse (enceinte d'un marin l'ayant abandonnée), est un condensé d'illusions perdues dans les eaux salées d'Ecosse. Parfaite cohérence des musiques que The Magnetic North lui a consacré, mêlant si bien innocence et menace, rêverie et fougue. L'eau et la rocaille. Le vent et la tourbe.

Cela va de soi, la trilogie entière de Peter May fonctionne parfaitement avec ce disque. Je n'irai plus jamais sur Lewis Island sans "Orkney symphony".

Note de concordance : 8/10

Du rire ou des larmes ? Les deux ? Je pourrais vous faire croire qu'on ira de l'une à l'autre de ces émotions, mais c'est plutôt un brassage que je vous propose, comme on goûte au malt et au houblon dans la même goulée de bière.

Qui saurait dire, en écoutant ce dandy de Baxter Dury, s'il ricane ou s'il sanglote ? "Prince of tears" : on pense d'abord à la tristesse de ce chanteur inspiré par son propre chagrin d'amour, mais connaissant l'ironie de l'artiste, sa distanciation, tout n'est pas si simple. Baxter Dury a toujours cette capacité à se moquer de sa propre carcasse. Sa pop décharnée n'a rien d'un mélo, et si des cordes gainsbouriennes (période Vannier) satinent un peu ses instrumentations brutes de décoffrage, un crachat punk de-ci de-là vient remettre une révolte adolescente au milieu du salon.

Le fils du mythique Ian Dury - fils génétique, spirituel et artistique - est la synthèse des personnages de "Bienvenue au club". Enfant des années 70, pur produit de l'Angleterre qui a grandi sous les années punk, IRA, luttes syndicales pré-Thatcher. Un adulte dont l'œil effronté et rieur indique qu'il n'a pas totalement quitté l'adolescence. Indolent, il a souvent été viré des écoles qu'il fréquentait, insolent, le petit Dury a même pissé sur Joe Strummer depuis son toit. Aucun respect !

En revanche, il y a une grande admiration pour The Clash de la part des héros du roman, en particulier Doug, un des membres de cette bande de potes qui se cherchent un peu. Benjamin et Philip complètent le noyau de ce groupe, de ce livre. A la sortie de l'enfance, ils essaient de trouver leur chemin, à tout le moins de s'extirper de leur cadre fait de salons étriqués aux tapisseries maronnasses, de pubs parfumés au JPS où les convives rognent l'amertume.

Très attachants, ces gamins vont être le fil rouge d'une fresque beaucoup + ambitieuse, qui a pour intention de décrire une époque + complexe que les images d'Épinal qu'elle a laissées. Dans la mixture tragi-comique dont Jonathan Coe a le secret, on voit les tensions qui imprègnent cette période de l'Angleterre : des générations qui ne se comprennent plus au sein de la famille, des couples qui ne se parlent plus, des classes sociales qui ne s'entendent plus, des pays déchirés qui ne cohabitent plus.

Le talent de Coe est de transcender les points de vue, de surprendre, de casser son récit en racontant la suite via une lettre ou un article de la gazette scolaire. Tour à tour poignant, narquois, drôle, le point commun de ces tonalités est le gène british. Sans jamais rien surligner (c'est agréable un auteur qui vous fait confiance), il peint par petites touches sépias un entrelac de destins. Jusqu'à cet extravagant avant-dernier chapitre écrit en une seule interminable phrase à faire s'étrangler de jalousie Maylis de Kerangal, qui s'étend sur une cinquantaine de page, et met fin à l'éclatement des points de vue pour ne creuser que la même fibre intime de son personnage-clef, Benjamin. En contrepoint, les furies d'à peine une minute "Letter bomb" et "Almond milk" s'amusent des espiègleries de la temporalité.

Traversée par l'accent cockney de Baxter Dury, sa production bien sapée mais débraillée, ses mélodies servies à la pression qui ne débordent jamais, ses rythmiques issues des caves de Kinks Street, la mosaïque de Jonathan Coe trouve sa Bande Originale de Livre idéale. Dans l'une et l'autre de ces deux œuvres, le subtil équilibre entre détachement et passion, sarcasme et mélancolie, tendresse et tension est déroutant, déstabilisant… tellement proche de ce à quoi ressemble une vie.

La suite de ce roman, "Le cercle fermé", revient sur ses personnages pendant les années Tony Blair. Après tout, la musique de Baxter Dury n'est pas spécifiquement seventies, ni même nineties ; peut-être un autre de ses albums pourra de la même manière donner de l'ancrage à cette plaisante saga de Monsieur Coe, dont l'écriture en apesanteur retire un peu trop de poids au récit, vite oublié. Les chansons au cordeau de Dury, elles, restent, accrochant quelques images du livre au passage. Listen !

Note de concordance : 7/10

Tout coule de source...

Que l'on parle de l'écriture de Tapply, des compositions de Grant-Lee Phillips, ou encore de la confluence de ces deux œuvres, tout glisse naturellement.

Ici pas de frime, pas de posture, pas de calcul. Que du plaisir. William G. Tapply était un passionné de pêche à la mouche, au point de signer plusieurs essais sur le sujet et surtout de systématiquement imaginer ses héros mordus de ce même hobby. Avant d'écrire les aventures de Stoney Calhoun, c'est sur une bonne vingtaine d'énigmes qu'il a mené l'avocat Brady Coyne,  pêcheur invétéré (une série non traduite, à un titre près).

Les prétentions de Calhoun doivent s'assimiler à quelque chose près à celles de son créateur : avoir une vie paisible et partager sa passion. Au cœur du Maine, il refait sa vie en tant que guide de pêche. Sa vie précédente ? Il n'en a pas de souvenir. Calhoun est amnésique. Cependant, des indices lui indiquent que son passé doit avoir quelque chose à voir avec la police, l'autorité, les services secrets ou autre joyeuseté dont il ne veut pas. Une cabane près de la rivière, un chien, quelques amis... les seules complications que Calhoun tolère sont les débuts d'une jolie histoire d'amour. Pour le reste, il ne demande qu'à se fondre dans le décor.

Son passé, lui, Grant-Lee Phillips, s'en souvient très bien : leader du groupe Grant-Lee Buffalo (et avant cela des moins marquants Shiva Burlesque), il a plié le monde à son rythme avec le tube international "Fuzzy", de la folk aux racines chamaniques amérindiennes. Quatre albums splendides précéderont une carrière solo plus discrète, plus indépendante ; je ne serais même pas étonné, tant cela me rappelle Stoney Calhoun, que le gars s'accorde aussi quelques virées de pêche à la mouche !

Grant-Lee Phillips a toujours chanté les éléments, ses chansons sentent la poussière, la terre mouillée, l'humus ou le sable rouge. Il a des origines Cherokee et est captivé par l'énergie de la terre, des ancêtres, par les histoires qui traversent les générations. Dans son huitième album solo, "The Narrows", le songwriter explore les fins fonds de l'Amérique, de son Amérique. Les récits du temps et de sa propre lignée. Il confronte le passé et le présent, l'appartenance à une terre et la soif de liberté, d'aventure. Voilà des thèmes qui traversent naturellement notre trilogie...

Le besoin de trouver la paix intérieure, magnifié par une poésie touchante, est sans doute le sujet phare de "The Narrows". Les guitares sont au diapason : elles filent, gracieuses, touchées par les vents de l'Arkansas, ceux qui font de Nashville le carrefour du blues. L'album a été enregistré dans le studio de Dan Auerbach (The Black Keys), terrain de jeu serein, entre matériel ancien et sophistiqué. L'avenir, écho des hiers.

Grant-Lee a déménagé de Californie pour l'Arkansas afin d'y retrouver les traces de sa famille. Cette quête très personnelle perle de chacun des morceaux, mélancoliques, contemplatifs, parfois un peu "ricains" (à écouter dans une grosse Mustang, mais sans pour autant quitter les back roads). Les émotions sont toujours associées à des lieux. Dans cette topographie des sentiments, la pluie du Tennessee lave les larmes, des ruisseaux débordent les souvenirs, la fougue de la jeunesse dévale les routes secondaires...

Le formidable avantage de retranscrire les expériences de Bandes Originales de Livres, c'est qu'en creusant un peu on met à jour les liens pressentis entre les œuvres, comme des fondations sous les pinceaux de l'archéologue. J'ignorais donc jusqu'à ce jour que "The Narrows" était un segment de rivière agité, "Mocassin Creek" un ruisseau et n'avais même pas remarqué que l'un des titres de l'album s'appelait "Just another river town".

D'omniprésents flots qui nous entraînent évidemment chez Tapply. Sa Nouvelle-Angleterre semble irriguée de toutes parts par des bras de mers ou des replis de rivières que Stoney Calhoun connaît comme sa pêche.

Dans sa première aventure "Dérive sanglante", le héros va retrouver un ami noyé dans d'étranges circonstances, lors d'une virée. Cela va réveiller en lui des réflexes insoupçonnés. La culpabilité de s'être laissé remplacer par son jeune collègue décédé n'explique pas entièrement sa volonté d'enquêter : Calhoun a un savoir-faire, il est méthodique, il sait instinctivement renifler les pistes.

Le plus intrigant est la visite plus ou moins régulière d'un homme en costume qui s'assure à chaque fois que Calhoun est toujours amnésique. Que se passerait-il sinon ?

C'est également lors d'une escapade, à "Casco Bay", que Calhoun découvre un cadavre calciné, dans sa deuxième aventure. Toujours tiraillé entre cette envie de routine plaisante et le besoin de résoudre une énigme, ce brave Stoney en devient très attachant. La simplicité à laquelle il aspire, si bien illustrée par la musique de Grant-Lee Phillips, est d'autant plus précieuse qu'elle se fragilise au contact des intrigues qui rôdent.

Dans "Dark Tiger", l'homme au costume prend davantage d'importance, comme si le passé de Calhoun devait à un moment ou un autre régurgiter. Cependant, on ne saura jamais avec certitude quels arcanes sont engloutis dans le cerveau de Calhoun. Tapply nous a quitté avant d'émerger ces secrets. En nous laissant face au même mur qu'un amnésique : une expérience en soi.

Les descriptions de la nature, pleines de tendresse et d'humilité, donnent à cette série une couleur vivace. On se prend à rêver d'une vie simple, à regarder les lumières étincelantes picoter les eaux, à arpenter des chemins quasi-vierges, à écouter les oiseaux, à humer les  ultimes brumes de la nuit.

Avoir choisi un personnage qui reprend tout à zéro, qui fait face à un enivrant horizon de choix,  est une belle intuition de la part de Tapply  : non seulement cela sublime pudiquement cette valeur sentencieuse qu'est la liberté, et surtout l'identification à Stoney opère en un quart de page. Et dieu sait pourtant si je me fous de la pêche ! Mais c'est imparable.. Il en va de même avec sa vie amoureuse qui semble toujours revenir au stade de la séduction, tandis qu'il flirte avec Kate, sa patronne dans la boutique de pêche. Lorsqu'en + Grant-Lee ensemence ses notes rustiques, cela met en effervescence les cénotes romantiques que nous avons tous dans le cœur.

Les ballades limpides moissonnées par le chanteur - auxquelles il mêle sa voix précise, son grain charnel - sont claires comme de l'eau de roche. Elles glissent sans heurts sur les romans joliment menés de William G. Tapply. Entre ces deux artisans du travail bien fait, une complicité simple comme bonjour s'est bâtie. Et au milieu coule une rivière.

Note de concordance : 7,5/10

Et si Tout n'était que variations ? Des déclinaisons d'une Vérité, d'un Grand-Œuvre qu'on ne ferait que reproduire, imiter, plagier, parceller, réinventer. Le monde, une grande série de cercles qui tournent autour d'une matrice originelle, qui s'inspirent, se font et se défont ?

Chaque article de ce blog n'est-il pas un remake - ou un brouillon - d'une expérience musico-littéraire totale, destiné à redire la même chose de manière vaguement différente ? J'ai d'ailleurs l'intuition que la pop moderne n'est pas vraiment autre chose que ce que Jean-Sébastien Bach a proposé en 1740, et qu'elle doit encore beaucoup à ces "Variations Goldberg". Mais alors c'est quoi, ces fameuses variations ?

Nous avons une base - une basse en l'occurrence - autour de laquelle vont graviter des mélodies et des rythmes de + en + élaborés, à la complexité nourrie de fluidité. Le cœur de cette œuvre est une aria que Bach avait composé 15 ans + tôt pour sa femme. De cette paisible source, il fait tournoyer dans un vertigineux sentiment d'infini des figures mélodiques cristallines, un éventail foisonnant de contrepoints. Gigues, fugues, canons, tout y passe, de manière veloutée sans jamais tomber dans le scolaire... surtout sous les doigts magiques de Glenn Gould.

J'ai choisi la version de 1981, guidé par des spécialistes la préférant au précédent enregistrement de 1955, plus fougueux mais semble-t-il moins maîtrisé. Aurais-je entendu de grosses différences ? Je n'ai pas une confiance folle en mes oreilles à ce sujet, mais peu importe ; elles ont au moins perçu les fameux fredonnements de Gould qui vit sa musique au point d'en oublier de ne pas chanter pendant la prise. La perfection d'une interprétation parasitée par des murmures, ou le prolongement bien vivant de la création de Bach ? A chacun de juger.

Et le dessin de Chabouté, qui propose à la fois une sobre puissance et un minimalisme parfois approximatif, n'est-ce pas une manière de parasiter la perfection ? Sans doute la manière qu'a trouvée le dessinateur pour mettre de l'humain dans son dessin.

La fluidité de ses traits coule au rythme de Glenn Gould. Et dans le même esprit que l'oeuvre musicale, on peut parler de variations : le personnage principal de "Un peu de bois et d'acier" est un banc public. Le pari de Chabouté est de raconter quelques histoires dont le point commun - la base - est ce banc posé dans un parc, en déclinant les points de vues, les axes, les idées formelles, sans pourtant jamais quitter le giron de ces quelques décimètres de bois, ces quelques kilos d'acier... dans lesquel le dessinateur va, une fois de +, injecter de l'humain.

L'absence de paroles est une autre similitude. Faire confiance à son art ; il se suffit à lui même. Le choix du noir et blanc, la patte épurée, est une radicalité qui ramène au clavier de Bach, à ce seul piano dont on explore tous les atouts pour livrer l'œuvre ultime.

Tourner autour d'un seul thème et ne jamais frôler l'ennui...

J'imagine ma moue sceptique la première fois que j'ai lu que le personnage principal de ces 330 pages était un banc ; pourtant, c'est une des BD les + marquantes qu'il m'ait été donnée à lire ces dernières années.

Oui, on s'attache à ce banc qui subit les intempéries, le chien qui lève la patte sur lui, les grinds du skater qui se joue de Newton et des biens publics... Surtout, on va s'attendrir sur les personnages récurrents (les contrepoints) qui fréquentent le parc : le clodo, le cantonnier, le flic, ou même le passant qui ignore complètement le banc. Mention toute spéciale aux petits vieux qui y partagent délicatement un petit gâteau.

Se greffe un aspect ludique tant concernant la mise en forme que les esquisses de liens entre de petites histoires simples, éphémères comme des notes qui se croisent et s'éloignent, jusqu'aux prochaines fois.

Il se passe beaucoup plus de choses qu'on l'imagine dans les giboulées de ce coin de parc. Ce petit lieu de passage anodin est un havre de paix, un îlot où le temps ralentit, un espace au microcosme improbable et varié qui se croise sans être conscient au quotidien d'avoir ce point commun, cette histoire commune, cette humanité commune.

Les mélodies de Bach, ondées de joie, perles de mélancolies et quelques gouttes de tristesses, gagnent encore une nouvelle dimension en bruinant sur les habitués du parc, parfaites petites musiques des sentiments. Grain de subtilité...

Les deux œuvres sont si abouties qu'aucune n'entame l'autre. La musique pourrait emboutir les dessins, les images pervertir les notes, mais tout se déroule dans une limpidité évidente.

Les doigts de Glenn Gould égrainent l'émotion et délitent les intrications de notes pour en faire un cours d'eau musical, un cycle hydrologique où ce qui s'évapore nourrira les portées suivantes.

Chabouté met du vivant au bout de sa mine. Comme chez Gould, jamais la complexité ne se remarque. Ses contours sont précis dans leurs hésitations ; la définition même du destin.

La rencontre de cette bande dessinée et de cette musique a généré une des Bandes Originales de Livres les + discrètement virtuoses nées pour ce blog.

Note de concordance : 8,5/10

J'ai peut-être raté le coche...

Initialement l'album de Katerine "Les créatures" est paru avec un disque bonus, "L'homme à trois mains", qui commence par cette phrase "Non, je ne suis pas schizophrénique". En effet, cette deuxième galette pourrait être considérée comme un demi-frère très différent du principal. N'avait-on pas là l'occasion rêvée de comparer ce double album à la fratrie éclatée imaginée par Houellebecq ? Mais voilà, je me suis uniquement concentré sur "Les créatures", passant sans doute à côté d'une note de concordance de 11/10 au moins.

Faites pas cette tronche, je vous vois en pleine déconvenue ; cette B.O.L. fonctionne quand même très bien ! Les ambiances fin-de-siècle verdâtres sont même si proches que je me suis tout le long demandé si le roman de 1998 n'avait pas très directement influencé le disque de 1999.

"Les particules élémentaires" suit le parcours de deux demi-frères délaissés par une mère démissionnaire. L'un, Michel, se réfugie dans la recherche scientifique au point d'étouffer in vitro toute relation sentimentale, l'autre, Bruno, devient prof et fantasme sur ses élèves et sur tout ce qui a le sein ferme en général. Ou moins ferme si besoin.

Michel va recroiser la superbe Annabelle, amoureuse de lui depuis le + jeune âge. Pas de quoi le détourner de ses éprouvettes ; l'encéphalogramme de ses émotions bande mou, il sent bien qu'il a une mission de la + haute importance à laquelle il donne priorité. Les chapitres scientifiques - certes assez ardus à passer - nous éclairent peu à peu sur les travaux menés par Michel.

Bruno a vécu sévices et humiliations à l'internat. Il éteint ses enfers sous des litres de sperme. A l'opposé de la froideur de son frère, Bruno n'a qu'une obsession : la jouissance. Chacun de ses choix vise à copuler, ou tout le moins à se masturber, si bien qu'il va rejoindre une sorte de camp hippie / new age où le sexe est pratiqué très librement. En bon loser, pas sûr que Bruno saura s'adapter à la situation... Ce qui conduira aux chapitres les + drôles du livre.

Le thème commun qui frappe en premier entre le roman de Houellebecq et le disque de Katerine est la misère sexuelle.

"J'ai vraiment envie de la baiser mais je le ferai pas parce que je suis un idiot". Difficile au premier abord de définir d'où sont tirés ces mots. "Les particules élémentaires" ou "Les créatures" ? C'est bien la poésie outta-post-contemporaine de Katerine dans "Américaine" mais les errances de ce type aigri auraient tout aussi bien pu être signées Houellebecq.

il en va ainsi de la majorité des chansons de cet album construit comme une descente avinée des grands boulevards,

Dans "Gare du Nord", un pauvre gars, la gueule de bois flotté, visualise son ex dans une partouze où l'or gît. Et le pathétique dragueur du célèbre "Je vous emmerde" dandine sa bibine à la façon d'un Bruno, se voulant funky mais s'avérant collant comme du whisky-coca sur le dancefloor.

On pourrait aussi s'amuser à mettre en parallèle les gueules de ces deux premiers de la classe qui semblent tout faire pour ressembler à des clochards moins célestes que célèbres, et se dire que la déchéance physique fait toujours partie, en filigrane, des lignes fortes de leurs œuvres.

Mais un autre point, bien + important, me fait ranger les deux œuvres sur une même étagère : les ruptures de rythmes. De chaque côté, on peut passer du + grand sérieux à une phrase choc en à peine un signe de ponctuation. Ces décrochages surprennent, dérangent. Comme un montage créateur de sens, les cassures poussent notre cerveau à stabiliser ces situations bancales, à reconstruire, à combler les vides. Les deux artistes ont un sens de l'ellipse saillant.

Pas étonnant : de quoi parle "Les particules élémentaires" si ce n'est de combler le vide ? Le vide émotionnel laissé par une mère qui n'a pas joué son rôle, et en écho à cela, le vide laissé par une religion que notre société a délaissée. Le roman ne fait que décrire cliniquement une époque, passer au scalpel un monde occidental qui a dépassé la foi chrétienne et les idéologies, et qui se cherche au bord du gouffre qu'il n'a encore aucune idée de comment remplir.

Katerine aborde régulièrement ce thème de la vacuité, de l'inutile, des égarements. L'énumération des choses qu'il n'a jamais vécues dans "J'ai 30 ans" ne parle que de ce désarroi.

Selon Houellebecq, la science pourrait trouver une solution à ce grand vide que la religion a laissé, le clonage puis la disparition de l'humain imparfait serait l'avenir de l'homme (à qui le livre est dédié). Revoyons la structure du disque de Katerine : il commence par "Jésus-Christ mon amour", beau comme un paradis perdu, en son cœur replonge vers les souvenirs d'enfance et de la mère avec le nostalgique et sublime "Au pays de mon premier amour", et se conclue sur le bruitiste "Boulevard de l'hôpital", une sorte d'IRM musical flippant ; à croire que Philippe Katerine est encore + pessimiste que l'auteur de "Soumission".

Accompagné de The Recyclers, Katerine a éclaté ses vignettes easy-listening pour explorer l'improvisation et un jazz contemporain fourre-tout foutraque passionnant par le nombre d'horizons qu'il ouvre. Le champ des possibles donne le vertige, les idées grouillent, le délire bouillonne et pourtant le disque est brut comme une table de campagne. Un drôle de machin désespilarant digne de Georges Perec qui bidouille les obsessions de Katerine, l'inutilité, la solitude, la poésie des petits riens, les médiocrités. Un miroir déformant de nos modèles en désuétude.

Michel et Bruno, les deux frères imaginés par Houellebecq ne sont rien d'autre que l'auteur lui-même, peut-être pris dans ses contradictions, et surtout à considérer comme un être ouvert en deux pour mieux en radiographier tout le contenu. L'auteur se met quasiment en scène, prenant à bras le corps sa thèse qui malaxe les dérives sociétales et familiales, les dangers de l'individualisme qui laisse l'homme à l'état de particule isolée, bouffée par le désir et le consumérisme. On peut trouver le point de vue réactionnaire ou pas, là n'est pas le sujet, la démonstration est foutrement habile et intéressante.

Dans ces croisements de trajectoires, toutes ces symétries contrariées, on notera qu'au final, Michel Houellebecq tend vers une évolution qui devra recoller les morceaux, là où Philippe Katerine préfère se disperser, tout démantibuler.

Leurs trajectoires se seront en tout cas merveilleusement croisées le temps de cette Bande Originale de Livre remuante. Et si l'on y regarde bien : humains en manque, frères complémentaires mais séparés... finalement avoir dissocié "Les créatures" de "L'homme à trois mains" est cohérent !

Tout rentre toujours dans l'ordre...