Note de concordance : 8,5/10

Je n'ai pas vu l'évidence tout de suite. Le choix de Hauschka pour filer les mots de Fottorino n'était d'abord qu'une affaire d'ambiance - point toutefois substantiel d'une bonne B.O.L.

Plus tard est arrivée cette concordance entre les visuels : un personnage, assis et nu, le dos vaguement voûté, comme un bouclier. On ne se livre pas facilement dans ces deux oeuvres ici rapprochées.

C'est ensuite comme un flux, comme un nerf intuitif reliant "Ferndorf" et "Un territoire fragile" qui s'est révélé. Car si l'allemand Volker Bertelmann, alias Hauschka, manipule la structure et les mécanismes acoustiques de son piano, le personnage phare de Fottorino est quant à lui accordeur. Qui n'accorde pas les instruments, seulement les corps.

Le musicien Hauschka est passé maître dans l'art du piano préparé. Comme John Cage qui a initié cette pratique, il détourne, décore, étoffe, étouffe les cordes du piano, y greffant ici une capsule de bouteille, y posant là une balle de ping-pong, y scotchant ailleurs un bout de plastique... Tout un attirail fantaisiste, un coffre à jouets, une ribambelle de machins qui viennent donner de nouvelles couleurs + ou moins aléatoires aux résonances, aux tonalités, au spectre harmonique de l'instrument.

Accompagné pour ce disque par des violons ou violoncelles, Hauschka restructure, retravaille manuellement - artisanalement même - la charpente et la mécanique du corps de son piano.

Le père d'Eric Fottorino était kinésithérapeute (il est conseillé de lire "L'homme qui m'aimait tout bas" pour mieux cerner l'ancien directeur du journal Le Monde). L'auteur est imprégné de ses gestes, du savoir-faire réparateur, du vocabulaire anatomique aux atours poétiques, voire exotiques.

Pas de piano manipulé dans ce roman, mais une femme. Blessée. Clara saute sur une occasion professionnelle pour gagner Bergen en Norvège, et fuir sa vie de femme battue et oppressée par un marocain au charme diabolique. Mais tout en elle est en vrac ; un chaos émotionnel, un camaïeu d'hématomes, des muscles traumatisés, des tissus en otage de la peur, des nerfs emmêlés comme la ferraille dans une vieille casse, des chairs en jachère.

Suite à des crises d'eczéma, on va la diriger vers l'accordeur de corps, mais celui-ci ne peut à peine la toucher. L'âme trop à vif ! Il va lui falloir beaucoup de temps pour essayer de remettre en accord Clara, faire en sorte que sa musique sonne à nouveau juste.

D'un côté nous avons donc un pianiste qui triture ses cordes, les amène au-delà de leurs retranchements pour en réinventer les limites, de l'autre un kiné qui remodèle les liens du corps et de l'esprit afin de retrouver l'euphonie. Pourtant ils sont à la recherche d'un même but : l'équilibre et une forme d'harmonie.

L'équilibre et la limite sont les grandes questions du roman ; lorsque l'on pose son doigt sur un corps et que l'on appuie, jusqu'à quel moment est-ce encore une caresse, à quel moment est-ce une douleur ? L'accordeur, puis un vieux peintre vont chercher ce point fragile, cette frontière invisible.

Eric Fottorino s'interroge alors sur les traces que l'on laisse, époussetant la différence entre le propre et le figuré. L'autre thème important d' "Un territoire fragile" est le toucher. Un sens qu'il n'est pas si aisé de traduire à l'écrit mais auquel ce bel écrivain n'a pas peur de se frotter. Et là encore, dans ce grand écart entre une mère qui semble avoir renié le tactile pour lui préférer le caoutchouc des gants et un salaud qui prend ses mains pour des marteaux, Clara ne voudrait plus avoir à choisir et juste ressentir la vibration juste.

Entre clic-clic, crac, zip wap, et des mélodies répétitives (au sens hypnotique du terme) ou mélancoliques, le pianiste-funambule de Düsseldorf, brocanteur des sons, plie à lui la musique, l'immisce dans de nouvelles dimensions, la fait tourner la fait craquer, lui redessine des vertèbres d'ivoire et de rêve, en écho au travail de l'accordeur de Bergen.

A fleur de peau, Hauschka et Eric Fottorino sont des architectes de la vibration qui malaxent ce qui est en surface et en profondeur du corps ; ils ont comme matière première commune la délicatesse, et se désarticulent/réarticulent l'un à l'autre en accord majeur.

Note de concordance : 8,5/10

Parce qu'on ne change pas une équipe qui gagne.

Parce que les rêveries vaporeuses de Yann Tiersen ont les mêmes couleurs que les inconséquences du commissaire Adamsberg.

Parce qu''ils pellettent les nuages.

Parce que les mystères crottés de Vargas s'épaississent mieux encore dans les larsens climatiques de  "  ∞  (Infinity)".

Parce que la complexité des arrangements côtoie la complexité de l'intrigue, ses suicides douteux, ses signes énigmatiques, ses secrets de famille boueux.

Parce qu'enregistré en partie en Islande, ce disque semble suivre le même itinéraire que les flics déboussolés de "Temps glaciaires".

Parce que le quatuor à cordes Amiina et la noblesse des instruments habillent les reconstitutions d'assemblées de la Révolution Française menées par l'inquiétant Robespierre.

Parce que "Ar maen bihan" et Adamsberg empruntent le même train de suspense.

Parce que les embruns de poésie nous fouettent de toute part.

Parce que le terroir gaélique du Breton se nourrit des mêmes obsessions que l'écrivaine ; que l'organique et le spirituel, le minéral et l'éthéré, forment une boucle, l'infini.

Parce qu'Adamsberg est un phare ; un repère malgré lui dont la lumière s'absente régulièrement, au point d'alternativement rassurer et affoler ceux qui comptent sur lui.

Parce qu'un disque quasi instrumental perturbe moins la lecture des dialogues délirants de Vargas.

Parce que comme l'auteure, Tiersen préfère fouiller et se perdre dans des strates vertigineuses que d'arriver à destination.

Parce que le commissaire ne sait pas stagner ni s'asseoir et que le musicien va jusqu'à travailler dans un van pour rester en mouvement.

Parce que l'intime et les grands espaces se tournent autour.

Parce que l'immémorial est l'invité d'honneur commun au roman et au disque.

Parce qu'on entend Yann Tiersen se dépatouiller avec tous ses puzzles de samples de la même manière que Jean-Baptiste Adamsberg avec ses petits bouts d'indices, sa pelote inextricable ; la même boucle d'infini...

Parce que la brume.

Note de concordance : 8/10

Fouiller la noirceur des failles et y faire rentrer la lumière. Capturer le soleil californien à l'heure où il faiblit, en faire une torche pour ses tunnels intimes.

L'air de rien, les contrastes californiens ont trusté cette expérience B.O.L.

En choisissant les canadiens de Timber Timbre pour m'attaquer au mythe de la saga Harry Bosch, j'ignorais que leur nouvel album avait été enregistré à Los Angeles, à Laurel Canyon. Soit à trois ou quatre palmiers de la maison sur pilotis du flic inventé par Michael Connelly.

Le genre de coïncidences qui me font adorer dégoter les Bandes Originales de Livres. Bien que le hasard ait ses limites : ce sont les ambiances polar, le saxophone alternativement ardent ou grisé, le mariage luxuriant entre les vibratos de guitares du far-west et les violons lumineux qui, à peine écoutés, m'ont convaincu qu'ils seraient dignes d'illustrer la lecture de cette enquête en pleine Cité des Anges. Cité qui, dans un jeu de miroir, avait fondu sur le travail habituellement + sombre et introspectif de Timber Timbre, le groupe de Taylor Kirk.

Alphabétiquement parlant, Timber Timbre arrive juste avant Tindersticks.

Stylistiquement parlant, Timber Timbre drague les mêmes univers que Tindersticks.

Qualitativement parlant, Timber Timbre se situe un peu après Tindersticks. Faut pas déconner non plus.

"Hot dreams" a pour moi vraiment trouvé tout son sens en tant que musique de livre. A écouter seul, ce cinquième disque est parfois nébuleux, déphasé, presque indigeste. En accompagnant la première aventure de l'inspecteur intransigeant Harry Bosch, les cuivres botoxés aux mélodies ourlées  tout comme les déraillements de synthé horrifiques s'appliquent au récit, tels des pièces de puzzle alambiquées.

Michael Connelly aussi est un amateur de puzzle. Ses intrigues complexes avancent indice après indice chèrement gagné. Dans "Les égouts de Los Angeles", l'indice initial est un doigt cassé post-mortem chez un cadavre retrouvé sur les hauteurs d'Hollywood, dans un tunnel. Un détail. De ceux que les flics négligent, surtout lorsqu'il s'agit d'un énième camé à l'aiguille encore perlante. Over.

Sauf que Harry Bosch est méticuleux à l'extrême, intransigeant, opiniâtre, et qu'il ne ferme pas le dossier. D'autant que le mort est un ancien du Viêtnam qui appartenait à la même division que lui : les rats de tunnel, chargés de fouiller les galeries de l'ennemi. Une expérience traumatisante qui réveille encore Bosch la nuit, que l'alcool ne suffit pas toujours à dissoudre.

Sympa comme une porte de prison turque, le tumultueux inspecteur va donc mener une enquête à l'ancienne (on est dans les années 90 : pas de portable, pas de Google, des experts scientifiques à leur place, ce qui en soit a déjà quelque chose d'exotique), reniflant les pistes, recoupant les infos les + infimes, creusant là où les autres n'ont même pas pensé à gratter. Un os fracturé, l'absence louche d'empreintes, un intrigant bijou de jade volé... Chercher des liens et faire la lumière.

(Petite parenthèse de syntaxe interactive à l'allitération douteuse. Si vous préférez comme transition "Bosch bêche", tapez 1. Pour "Bosch bosse", tapez 2. Si vous préférez "Bosch bûche", tapez 3. Enfin, pour l'archi-combo "Bosch bêche, bosse et bûche", tapez 4.)

Bref, la structure de l'enquête se construit sous nos yeux. Voilà du polar classique dans le sens le + noble du terme. L'écriture est sans fioritures et d'une redoutable efficacité, à l'image du héros. Avec son décor californien et ses bas-fonds glauques, on rejoint Ellroy, et l'indépendance du cabot Harry Bosch le rapproche des détectives privés glorifiés par Raymond Chandler ou Ross McDonald.

On pense inévitablement à Dirty Harry en suivant ce personnage froid, en constant conflit avec ses hiérarchies. Connelly doit forcément avoir eu Clint Eastwood à l'esprit en écrivant sa saga, même si sa description d'un séduisant quarantenaire châtain bouclé renvoie plutôt à Matthew McConaughey. Ces deux acteurs ont d'ailleurs joué dans des adaptations de romans de Connelly (respectivement "Créance de sang" et "La défense Lincoln"). Nonobstant, les livres viennent d'être transcrits en série et c'est l'acteur Titus Welliver qui a décroché le rôle du flic ambigu.

L'autre caractéristique de Bosch est d'être un passionné de jazz. Alors oui, il aurait été logique de choisir, au hasard, Sonny Rollins en background sonore. Timber Timbre n'en est pas moins légitime, d'abord parce que la langueur du saxo s'invite dans "Hot dreams", ensuite parce qu'une dimension cinématographique illumine la pop pastorale de Taylor Kirk.

Ainsi "Run from me" ou "Hot dreams" apportent la lascivité nostalgique des nuits solitaires de Harry Bosch. Romantique comme un Elvis Presley qui n'aurait pas inventé le rock'n'roll mais s'attellerait plutôt à l'enterrer.

Les démons du passé de notre héros, ses violines nausées militaires trouvent un noir écho dans les percussions finales de "Beat the drum slowly" qui mettent cette ballade spectrale inaugurale au pas. L'hommage fait, volontaire ou non, à "A reflection" de The Cure avec "The three sisters" (également le titre d'une rareté de Cure, quand j'y pense...) souffle des ténèbres grinçantes enfin lâchées sur le dernier titre, alors qu'elles rôdent tout au long du disque dans les synthés hantés, dans les somptueux choeurs climatiques, dans les arpèges d'un western crépusculaire. Parfait pour notre cowboy âpre rempli de colère, capable de défroquer ses collègues lorsqu'il s'énerve un peu.

Lynchienne et raffinée à la fois, la musique de Timber Timbre empreinte Mullholland drive pour rejoindre un vieux cimetière, longe les lettres HOLLYWOOD pour voir poindre le jour au-dessus de la ville.

Deux titres instrumentaux ont fait office de thèmes récurrents dans ma lecture : "Resurrection drive part II", et surtout la gifle "Curtains?!" (je vois des liens partout aujourd'hui, mais ce titre, comment ne pas penser une fois de + à Tindersticks ?), véritable B.O. de polar groovy. Viril comme l'inspecteur Bosch, tendu comme ses mâchoires, claquant comme ses dialogues, rythmé comme sa conduite ; s'il ne fallait garder qu'un titre pour représenter ce personnage, ce serait celui-ci et aucun autre. N'en déplaise à Coltrane.

Lorsque j'entends ce titre et quelques autres de "Hot dreams", je suis irrémédiablement projeté dans les rues de Connelly, en planque avec Bosch. Aujourd'hui je me suis procuré les trois aventures suivantes du dur à cuire. Je continuerai d'écouter cet album exigeant en les lisant, ferai défiler mes propres pellicules saturées d'images et de sons, navigant entre les ombres les + opaques et les lumières brûlantes de Laurel Canyon.

Note de concordance : 7/10

J'aurais aimé trouver de belles coïncidences, prouver qu'entre le nouveau Miossec et le livre d'Adrien Bosc il y avait une date symbolique, un lieu ou un nom en commun. Montrer que le hasard poursuivait "Constellation" jusque dans des méandres inattendus. Les talents du journaliste me font peut-être défaut, mais de tout évidence, il n'y a rien.

Cela ne m'empêchera pas de trouver bien des rapprochements qui me semblent cohérents entre ce premier roman, et ce disque qui n'a jamais lâché mes oreilles pendant la lecture.

Adrien Bosc est le cofondateur du magazine Desports  qui a pour ambition d'aborder le sport par l'axe historique ou littéraire. Déjà, ce plaisir à chercher des portes d'entrées inédites pour parler de sujets qu'on croit galvaudés (parler de la guerre en Yougoslavie via les infrastructures des JO de 1984 !)...

Avec "Constellation", Bosc se passionne pour le crash de l'avion du même nom, le 27 octobre 1949, avec entre autres à son bord la star de l'uppercut Marcel Cerdan. Suite à un concours de circonstances, l'écrivain s'est intéressé à ce drame et a justement choisi d'évoquer les hasards, les trajectoires qui ont mené ou détourné des gens de ce vol fatal.

Bosc déploie ses outils de journaliste et dissèque les destins des passagers, des + célèbres aux + anonymes, retrace les dernières heures, pensées ou objectifs de chaque voyageur avec le même sens du détail, ainsi que les fouilles qui suivirent. Cette débauche de récits factuels et de points techniques, certes intéressante et contée par une plume maîtrisée, fait se poser la question du terme "roman" - car même si Adrien Bosc lie le tout par une poésie des coïncidences et autres conjonctures, on a plutôt affaire à une enquête aboutissant à une galerie de portraits quasi exhaustive. Il englobe, embrasse l'événement, ronge son os sans en laisser une miette.

Jusqu'à l'os, c'est là qu'est allé Miossec avec "Ici-bas, ici même", entraîné par la carnassière avidité d'Albin de la Simone (sous son étiquette de producteur) à décharner les morceaux pour n'en garder que l'essentiel, que le meilleur. Le seul défaut de ce neuvième disque est qu'il intervient dans une discographie déjà bien fournie et que sa perfection peut sembler déflorée par les albums précédents, nous privant ainsi d'une claque totale. Non pas que les deux ou trois derniers disques furent médiocres, loin de là, mais ils ont proposé des amuse-gueules mélodiques donnant aux nouvelles compositions un goût de déjà entendu. Comme une bande annonce qui aurait trop montré du chef d'oeuvre. Bref, vous l'aurez compris, je chipote.

Album crépusculaire s'il en est, "Ici-bas, ici même" écorche une fois de + les sentiments, décrit les relations décapées, les amours en copeaux, et surtout ouvre une fenêtre grinçante à la mort. Serein et lucide, le disque a des allures de bilan de fin de vie, de testament. Avec pourtant cette lueur mordorée d'espérance qu'il reste toujours une dernière chose à faire ou à laisser, une éternité à aspirer.

La voix du breton est + calme et chargée d'histoire(s) que jamais, la mélancolie enfle les accordéons et s'extirpe des violons discrets, et donc oui, le déclin ou la mort rampent mais dans une acceptation de la fatalité.

Une place de choix est faite aux silences. C'est un des grands sujets du disque : le manque, le Paradis perdu, l'idyllique ventre maternel. Un amour de la vie bat dans chaque chanson, seulement on ressent comme un appétit nostalgique pour l'existence, mais plus de fringale, comme si la tête voulait encore vivre et que le coeur ne cognait plus vraiment. Rattrapé par la pesanteur. Ici-bas.

Cette tension de sentiments d'une grande noblesse est parfaitement mise en musique. Les arrangements sans maquillage donnent du relief à la moindre note, toujours à la bonne place. L'intimité est induite par les silences, des percussions sur la pointe des pieds, les bruits de pédales du piano. Du grand art...

Des images d'un noir et blanc aux contrastes puissants jaillissent des morceaux, comme dans "Samedi soir au Vauban", tango qui sent la gazoline. D'un bal des années 50 on se retrouve ensuite projeté par une contrebasse au fond d'un bar bleu gitane. Ces vignettes noir et blanc sont probablement ce qui m'a intuitivement fait approcher ce disque de "Constellation", dont les pages projettent les images d'archives dans un bruit de vieille bobine.

Bien d'autres liens allaient se nouer. Lorsqu'on écoute les paroles de "Nos morts" ou "Des touristes", on croit les textes concis et judicieux de Miossec signés pour ce drame. Quant aux choeurs féminins qui embrasent ces chansons, ils attrapent les tripes. Au même titre que certains chapitres de Bosc ? Justement pas tout à fait...

La vision clinique de l'écrivain a filtré l'émotion. On s'apitoie  sur cette jeune ouvrière bobineuse promise à un avenir d'or et de nylon, on plante nos sourcils sur le pieux de la surprise en apprenant que le merchandiser de Walt Disney se trouvait dans l'avion, et bien sûr on se passionne pour l'imbroglio autour des violons de Ginette Neveu, autre vedette disparue dans ce crash... En 1949, seule la classe sociale aisée pouvait emprunter l'aéronautique, ce qui explique cette collision de personnages riches en parcours professionnels. Adrien Bosc, sûrement par une respectable pudeur, ne fait jamais dans le mélo.

Alors que la sobriété terrienne de Christophe Miossec décave une chapelle organique bouleversante, il manque un peu de souffle au texte de Bosc. Il se raccroche pourtant à son amour des mots de Blaise Cendrars dans un chapitre final censé faire se rejoindre toutes les étoiles de sa constellation intime, et même s'il parvient à la même conclusion que la chanson "On vient à peine de commencer", c'est-à-dire qu'on peut toujours compter sur la poésie, une dose de levure fait défaut aux récits du jeune auteur.

Bien heureusement, les chansons sublimes de Miossec donnent une profondeur vibrante à ces destins dilapidés sur les Açores.

D'ailleurs au final, je me rends compte que la coïncidence entre ces deux oeuvres, c'est cette B.O.L., c'est cet article, c'est moi.

NB : Adrien Bosc vient de se voir attribuer le Grand Prix du roman de l'Académie française. Roman ??... Allez, bravo à lui !

Et au passage, souhaitons une flopée de Victoires de la Musique à Miossec.

Note de concordance : 8/10

C'est comme un parfum en commun, quelque chose de léger mais prégnant ; c'est la trace de l'invisible. Un lien discret mais entêtant unit le dernier album d'Etienne Daho et "Dimanches d'août" de Modiano.

"La notte la notte", chantait Daho en 1984... Pour ma part ce sont les notes qui vont m'intéresser, la pyramide olfactive de ce parfum latent.

D'abord, LA NOTE DE TÊTE...

Premières effluves, première évidence : Modiano et Daho fréquentent le même tailleur, habillant leur travail d'une semblable élégance. Peut-être une adresse sur la Promenade des Anglais. Oui, l'élégance, c'est la fragrance volatile que partagent les deux artistes. Une classe naturelle déclinée dans leur oeuvre, dans leur comportement, dans leur rapport à l'image.

Dire des choses profondes sans jamais trop appuyer, en gardant toujours une touche impressionniste de mystère, voilà ce qu'ils savent si bien faire.

Etienne Daho souhaitait initialement signer son album disco. N'en restent finalement qu'un majestueux déploiement de cordes et la guitare funky toujours très chic de Nile Rodgers. Car si le genre disco peut s'avérer attachant, il peut vite basculer dans la vulgarité. Daho en a gardé une essence qui lustre ses "Chansons de l'innocence retrouvée" de la + belle des manières. Son chef d'oeuvre, sans conteste. Sa Riviera.

Des violons dévoués portent l'album, ils amènent "Les torrents défendus" dans des contrées cinématographiques, sublimant ce qui aurait pu n'être qu'une sympathique pop-song. Puis ils couvrent de nuit "Le malentendu". Une nuit d'étoiles mortes. Les cordes se font aussi inquiétantes et profondes lorsqu'elles éclairent "Un nouveau printemps", s'entremêlant dans un baiser insatiable aux autres instruments.

Cet aspect intriguant des arrangements classieux embaume le récit de Modiano. Raconté subtilement, comme un chapelet de souvenirs, "Dimanches d'août" fouille la mémoire de Jean, un homme seul qui déambule dans les rues de Nice. Raconté par bribes discontinues, on se demande vite pourquoi le narrateur est seul, lui qui convolait avec la belle Sylvia. Fugitifs oisifs, les deux amoureux se frottaient au frisson de l'aventure, avec en poche La Croix du Sud, un diamant exceptionnel ayant l'éclat du "Baiser du destin"... L'auteur distille savamment les réponses et les zones d'ombres. Le clair-obscur selon Modiano.

LA NOTE DE COEUR

La signature du parfum, son thème principal ; attachons-nous justement aux thèmes abordés dans ces deux oeuvres.

Etienne Daho a souhaité faire un disque sur les exclus. Ceux que l'amour a piégé, ceux que l'exil a repoussé sur les côtés, ceux qui émergent en marge. Dès le morceau d'ouverture "Le baiser du destin", l'humeur dramatique évoque la malchance, les vaines nervures du destin, tandis que "Un nouveau printemps" magnifie les losers. "L'étrangère", capiteux duo avec Debbie Harris (Blondie) parvient à parler avec romantisme et panache de la clandestinité, là où mille autres paroliers larmoieraient.

En voilà un beau d'exclu ! Les errances de Jean à l'état de fantôme soulignent sa nature marginale et on l'imagine, l'habit éreinté, tourner en rond - dans les rues, dans sa tête. Déjà dans la fuite à Nice avec Sylvia, Modiano les décrit comme des clandestins. Aujourd'hui embourbé dans la solitude, le narrateur cherche comme nous à savoir ce qui est arrivé à Sylvia, si elle a été victime ou complice des Neal - le couple richissime susceptible de racheter le diamant volé. Du grand Modiaho !

Dommage, les élans passionnés entre le photographe Jean et la jeune mariée Sylvia commençaient bien, leur rencontre au bord de la Marne profitait de l'ambiance guinguette bobo de "Un bonheur dangereux". La période d'incubation d'un virus avait pourtant commencé. Tout ne serait-il que mirage ? Où est "Le Malentendu" ? Daho et Modiano sont dans un bateau, ils se posent les mêmes questions.

LA NOTE DE FOND

Les molécules qui fixent les odeurs. La note qui génère le souvenir et l'attachement au parfum.

Les deux oeuvres, trempées de sud, respirent les mêmes épices de mélancolie. Si le chanteur répète volontiers que le titre de son album, inspiré par la poésie de William Blake, fait référence à un état de grâce et de quiétude, il n'en est pas moins imbibé d'un délicieux poison. Son regard est tendre mais triste.

Il y a une dimension littéraire dans "Les chansons de l'innocence retrouvée". On a presque affaire à de petites nouvelles musicales. Et le sommet, que dis-je l'Everest, que n'ai-je déprécié l'Anneau de Saturne du disque, c'est "L'homme qui marche".

Si l'on devine les traces de pas de "L'Etranger" de Camus, la chanson écrase de son soleil noir la trajectoire biaisée de Jean dans "Dimanches d'août". Le morceau tend une arche tourmaline entre John Barry et Alain Bashung. "Comme le héros d'un livre qui ne souffrirait plus du froid/l'homme qui marche devant moi, est-ce moi ?" chante Daho, qui pourrait décrire le niçois. La recherche de soi, l'identité trouble, c'est aussi le terreau de Modiano, ici comme ailleurs dans sa bibliographie.

En ne levant pas tous les mystères, en ne mettant pas les points sur les i, l'auteur laisse le lecteur combler les trous, mettre les derniers coups de pinceaux et ainsi nous glisse dans la peau de son narrateur. Un goût d'inachevé tellement humain...

Le souvenir, la mélancolie, mais aussi l'oisiveté reviennent beaucoup chez Modiano. L'inactivité (dimanche et août : des segments de temps liés au repos) est décrite comme un bonheur portant les germes de la lassitude et de l'ennui, comme si rien ne pouvait durer... Comme si l'innocence retrouvée était vouée à être reperdue. C'est sur cette lucidité que poussent les fleurs de la mélancolie.

Une bonne Bande Originale de Livre, comme pour un film, souligne l'action, accompagne le récit, renforce voire instaure une ambiance. Une très bonne B.O.L. tend une passerelle entre le livre et le disque, le nourrit autant qu'elle semble s'en inspirer, fait naître des images qui se répondent. Ce sont les deux faces d'un vinyl qu'on jouerait en même temps. Les histoires de Daho et de Modiano se superposent. Elles se croisent au coin d'une rue, partagent un chemin, se séparent et se retrouvent.

C'est le va-et-vient des émotions, leurs émanations...